«Nuevos foros para el diseño»

Xavi Calvo
Valencia Plaza - Culturplaza

«De un tiempo a esta parte están surgiendo en Valencia lances que provocan necesarias conversaciones pendientes sobre la profesión del diseño.

»Quizá los diseñadores necesitemos ahora más que antes hablar de nuestra profesión. En nuestro país somos un gremio joven, y tal vez sea cosa de cierto grado de maduración colectiva que estén apareciendo interesantes iniciativas que invitan a hacer balance y puesta en común a modo de terapia grupal.

»Además, a nivel local, en Valencia el diseño ha conseguido en pocos años colarse entre la actualidad de medios no especializados. De una forma discreta, eso sí, pero ya no es del todo extraño encontrarse con noticias que tratan del sector o de profesionales concretos, sumado a la labor de medios como Valencia Plaza en los que ya es un tema fijo en parte de su parrilla. Esto consigue que el diseño pierda ese lastre de frivolidad que se ganó durante algunas décadas, y es otro elemento más que genera esta necesidad del sector para mirarse hacia adentro para entender lo que muestra hacia afuera.

»En los últimos días el sector del diseño se movilizaba para comentar lo último de Mariscal, quizá un tema popular pero un debate interno ya algo repetitivo, y al mismo tiempo un post de Kike Correcher generaba interesantes diálogos en redes sociales sobre precisamente esa condición juvenil del diseño y su peso real en las -mal traducidas- industrias creativas. Así pues actualmente ya tenemos el diseño presente en tertulias que no son exclusivas del mundillo, pero es cuando este mundillo requiere de más diálogo para conocerse mejor.

»Y entre estas recientes iniciativas propias, la semana pasada surge el colectivo Aplec de disseny formado por 6 diseñadores valencianos que se presentaban mediante una mesa redonda en la que planteaban un coloquio sobre el diseño editorial. Una conversación entre diseñadores, con un formato al que no estábamos del todo acostumbrados pero que sin duda, y si siguen convocando estas reuniones, servirá al sector valenciano como parte de esta terapia necesaria para centrarnos en el valor real de esta profesión.

»Antes todo era más lúdico y los propios diseñadores estábamos más acostumbrados a los “saraos” tipo fiesta o inauguración, y las conversaciones sobre la profesión tenían lugar en pequeños grupos a la salida del evento en sí. Estas reuniones, más íntimas, son ahora más dispersas en parte porque se ha perdido el factor aglutinante que tenía la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana (ADCV), entidad que desde 1985 se encargó de capitalizar y organizar toda actividad relativa al diseño valenciano. Y aunque en su última etapa la presencia de esta asociación en estos nuevos foros brilla por su ausencia, en colaboración con la revista digital Disseny CV han organizado en Las Naves la serie de debates Cuadrilátero Fórum como nueva fórmula de expresión y comunicación sobre temas relacionados con el diseño. Así, aunque sólo se han realizado de momento un par de estas conversaciones (la tercera tendrá lugar [el] 4 de noviembre y tratará sobre el futuro de la economía creativa en la Comunitat Valenciana), el formato ha conseguido abrir conversaciones entre diferentes sectores sobre temas de actualidad vinculados al diseño.

»Estos pequeños debates a modo de coloquio están consiguiendo enfocar hacia asuntos que interesan a una profesión que aún se está definiendo dentro de una sociedad muy cambiante, y por exigencia del propio gremio más como conversaciones que como infructíferas conferencias. Surgen así nuevos foros para el diseño, en un momento en el que confluyen una serie de hitos culturales, tecnológicos, económicos y sociales que han dado la vuelta a aspectos de la profesión del diseñador. Y aunque históricamente en la Comunitat Valenciana la función del asociacionismo pasaba por canalizar las conversaciones en torno a su estado o a estos cambios, hoy en día son más las actividades organizadas desde fuera de la ADCV que desde dentro. Aunque su presencia ha sido crucial para el desarrollo del diseño valenciano, y la implicación e inercia que tuvo dejó plantadas las semillas de los dos grandes eventos del sector: La Valencia Disseny Week y el Congreso Internacional de Tipografía de Valencia.

»Son interesantes estos eventos por su carácter cultural y de festival de contenidos, ya que son los certámenes en los que los profesionales podemos aprovechar para hacer una mirada introspectiva. En territorio nacional, desde el MAD (Madrid) al Blanc (Barcelona), pasando por el Tenerife Design Festival o el itinerante Festival de los Premios Gràffica, este tipo de festivales se centran en Catalunya, con una arrolladora trayectoria de décadas de profesión consolidada (su asociación Foment de les Arts i del Disseny data de 1903 y la fundación Barcelona Centre de Disseny de 1973). Desde allí, y ya con un Museu del Disseny, veíamos con cierta envídia realizarse cada año eventos como la Primavera del Disseny, la Barcelona Design Week, el Barcelona Design Festival, FADfest, el OFFF, el ya mencionado Blanc o las colonias de verano Escola Muuu, con gobiernos autonómico y local apoyando estas iniciativas y con instituciones privadas pioneras en la promoción y el desarrollo del diseño en España. En la Comunitat Valenciana, siempre con un ojo en lo que hacían nuestros vecinos, no supimos sin embargo apostar tanto por estas actividades, tal vez porque somos así y no nos lo creímos del todo, aunque el caldo de cultivo de creativos valencianos ha sido siempre excepcional.

»Necesitamos conocernos para entender lo que hacemos, para dignificar una profesión que no trata de hacer bonitas las cosas ni va de artistas y mecenas. Necesitamos más congresos, aunque a petit comité, aunque los llamemos de otra forma, mesas redondas, foros de debate, quedadas, terapias, tertulias, más coloquios de los que montan Disseny CV o los nuevos Aplec, más Pixel Attack, más Cuadrilátero Fórums y más rogles de València Vibrant.»

«Frutiger, maître de la typographie»

France Inter

«L’homme qui vient de s’éteindre en Suisse à 87 ans, était l’un des créateurs les plus lus au monde.

»Adrian Frutiger, pourtant, n’écrivait pas de livres, il ne composait pas de phrases… non ce maître de la typographie, a toute sa vie dessiné des lettres, il inventait des polices de caractère.

»Il y eut Univers, pour les machines à écrire IBM.

»Avenir, qui équipe presque tous les appareils Apple.

»Et puis, autre police sans serif, sans empattement, le Frutiger, écriture à laquelle il a donné son nom et qui est aujourd’hui l’une des plus répandue sur la planète… dans les gares, sur les panneaux indicateurs, les autoroutes, les affiches de pub...

»Frutiger avait créé ces caractères en 75, pour la signalétique de l’aéroport de Roissy, avec comme cahier des charges, d’imaginer l’écriture la plus lisible, le plus rapidement possible, du plus loin qu’on la voie, même par quelqu’un qui court dans l’aérogare.»

«Quand Samsung et les frères Bouroullec réinventent la télévision»

Xavier de Jarcy. Télérama

«Un vendredi de septembre, on est invité par une agence de relations presse britannique à un mystérieux rendez-vous dans l’atelier des designers Erwan et Ronan Bouroullec, au fond d’une cour de l’Est parisien. ­Arrivent quelques journalistes étrangers et un designer coréen. Il travaille pour Samsung, géant mondial de l’électronique (319 000 salariés…). On aperçoit des objets peu identifiables sous des bâches. Il y a de la révélation dans l’air. Et une opération de communication bien montée, dans le genre: “On ne le dit qu’à vous, hein?”

»Tout le monde s’assoit autour d’une grande table, et Erwan Bouroullec prend la parole en anglais. Il présente le travail du studio Bouroullec, créé il y a une petite vingtaine d’années, et dessinant des meubles et des objets pour Vitra, Hay, Kvadrat... Ronan Bouroullec enchaîne, toujours en anglais: “Notre agence est très petite, nous refusons plein de demandes. Il y a trois ans, quand Samsung nous a contactés, on s’est posé beaucoup de questions, car c’est une immense compagnie. Nous pensions que travailler avec eux serait un cauchemar. Surtout moi, qui suis un peu le pessimiste de l’équipe, alors qu’Erwan est toujours optimiste. Je pensais que ce serait très formel, avec plein de gens en costume gris. Or ils étaient tous très sympathiques. Nous étions avec des passionnés. Les Coréens sont des gens intenses et rapides. Rien à voir avec le Japon, où il faut respecter tout un protocole. Notre studio travaille de manière presque artisanale, nous réalisons beaucoup de choses nous-mêmes, et ils ont respecté notre façon de faire.”

»Le designer coréen explique qu’il a contacté le duo car sa compagnie souhaitait présenter une ligne de produits plus orientée “lifestyle”. Une démarche inhabituelle. D’habitude, chez Samsung, un projet se déroule en interne, sur un an, alors que là, il en a fallu trois. “Mais, étant donné la qualité obtenue, cela en valait la peine. Nous sommes très contents de lancer ce produit.”

»Ronan Bouroullec poursuit: “Ils nous ont demandé si nous étions d’accord pour dessiner une télévision. C’est un objet bizarre, la télévision. Un objet du passé, dans un sens. Finalement on a dit oui. L’objectif de départ était surtout de produire des idées pour leur équipe de trois cents designers.”

»Erwan Bouroullec reprend: “Quand on explore un champ nouveau, on est naïf, on risque de commettre plein d’erreurs de jeunesse. Mais on apporte un regard neuf. La meilleure solution consiste à faire émerger plein d’idées, et à voir si elles sont faisables.” Il explique le principe choisi: “La plupart des télés jurent visuellement avec l’espace domestique. Alors nous avons voulu changer le caractère de cet objet. Car derrière le caractère, il y a un usage. C’est comme pour les voitures: on les dessine pour qu’elles suggèrent ou non une idée de vitesse. Nous avons donc voulu que la forme donne envie de se comporter avec une télévision d’une manière élégante.”

»Ronan Bouroullec ajoute: “Nous voulions changer l’écran en objet que l’on puisse poser sur une table. Qu’il soit agréable à voir sous tous les angles. Ce n’est pas une télévision design, car le design n’est pas un adjectif, mais une discipline. C’est juste un bon objet. Pas une télévision signée Bouroullec. Une des raisons pour lesquelles j’avais hésité au départ, c’est que nous cherchons à faire des choses durables, pas des produits jetables. J’espère que cette télévision, étant donné la qualité de son image, va durer un certain temps.”

»Après quelques questions, tout le monde se lève, et on passe à une table voisine où sont posées des pièces et placés des prototypes en bois, en carton… Il a fallu démonter des dizaines de télés avant d’arriver à la solution qui va nous être présentée. Un drap blanc se soulève, Erwan Bouroullec pose un téléviseur sur la table. Petit moment d'émotion. Les deux frères ont appelé leur projet Serif car, de profil, il ressemble à un “i” avec empattement: un caractère “serif” en jargon typographique.

»Effectivement, cette télé respire l’élégance. Elle ne ressemble à aucune autre. Hybride entre un écran et un meuble, elle évoque un tableau ou un miroir encadré. On comprend tout de suite qu'elle s'accordera avec un beau fauteuil ou une jolie bibliothèque, sans se mettre en avant. Le matériau est difficile à définir. Du métal? Il s’agit en fait de plastique peint. Le cadre est en deux parties, mais la jointure est habilement cachée à l’arrière, de sorte qu’on a l’impression d’un objet monobloc. Le socle permet de poser cette télé n’importe où. La partie haute forme une petite tablette sur laquelle on peut disposer quelques livres.

»A l’arrière, les éléments techniques sont dissimulés par une sorte de rideau textile amovible. On ne voit que le gros bouton marche-arrêt et le câble d’alimentation. Erwan Bouroullec retourne l’objet: quatre trous sont prévus à la base pour y glisser des pieds, simples tubes de métal. Ainsi équipé, le téléviseur ressemble à un tableau noir en miniature.

»On nous ôte tous les draps, et deux modèles plus grands apparaissent, posés sur leurs pieds tubulaires. Erwan Bouroullec se lance dans une longue démonstration des possibilités offertes par la télécommande, lisse et blanche. Le nombre de boutons est réduit au minimum. Un pointeur permet d’accéder à diverses fonctions proposées sur l’écran, tandis qu’un mode “rideau” bleuté est prévu si l’on veut couper momentanément l’image et le son, lors d’un “tunnel” publicitaire par exemple. Le graphisme des informations apparaissant à l'écran est ultrasobre.

»La télé des Bouroullec est officiellement présentée ce mois-ci au London Design Festival et non dans un salon de matériel électronique, ce qui constitue en soi un petit événement. Son lancement commercial est fixé au 2 novembre dans quatre pays seulement, pour commencer: France, Royaume-Uni, Danemark et Suède. Elle sera vendue plus cher qu’un téléviseur normal, en trois tailles et trois couleurs. On ne la trouvera pas en supermarché, mais plutôt dans des magasins de mobilier, par exemple. “Ce projet est plein de doutes, conclut Ronan Bouroullec. Nous ne prétendons pas faire la révolution, juste ouvrir une nouvelle porte.”»

«La signalétique du métro adopte un nouveau look»

Métro

«Les panneaux, les pictogrammes et la typographie de la signalétique du métro de Montréal changent de forme, a annoncé la Société de transport de Montréal (STM) dans une vidéo sur le site YouTube. Alors que certains cercles de couleur indiquant la ligne de métro ont déjà fait leur apparition à l’entrée de certains édicules et sur certains quais du réseau, l’installation de cette nouvelle signalétique dans 17 des 68 stations du métro de la STM s’échelonnera jusqu’en 2020.

»Entre autres changements, les sorties de chacune des stations portera désormais une lettre afin de permettre aux usager de se repérer plus facilement.

»Aussi, une rose des vents posée au sol permettra de savoir dans quelle direction se diriger après un trajet en métro. La police Univers, qui caractérise le lettrage du métro depuis son ouverture sera remplacée par la police Transit, pour améliorer la lisibilité. Des minuscules feront également leur apparition dans le lettrage. Toutefois, les affiches de noms des stations qui se trouvent sur les murs des quais ne seront pas modifiées.»

«Bibliothèque virtuelle de typographie / Digital Library on Typography»

Jacques André

«Cette “page”, initialement consacrée aux seuls manuels de typographie qui se trouvent sur le web, est désormais étendue et couvre, ou plutôt couvrira car elle est en cours de rédaction, plusieurs types d'ouvrages. Ils sont préfixés de la façon suivante (un ouvrage peut avoir plusieurs clés) :

»This catalogue contains a list of digitalized books concerning typography (typefounding, specimens, and some connected books). The [n] labels refer to the category as listed below :

»[T] = Techniques de typographie, de composition et d'imprimerie...

»Technical (punchcutting, printing manuals,...)

»Une attention particulière est donné pour les fac-similés disponibles sous forme papier ou pour les versions numérisées présentes sur le web, voire commercialisées sous forme de CD, DVD, etc. ;

»[S] = Spécimens -- Specimens

»Catalogues de caractères accessibles sur le web.

»[H] = Histoire de la typographie -- History

»Ouvrages importants sur l'histoire de la typographie, surtout lorsqu'ils sont accessibles sur le web.

»[X] = Exemples d'ouvrages imprimés -- Typical examples

»Livres « exemplaires » pour leur typographie, dans des versions numérisées.

»[B] = Bibliologie -- Bibliology

»Histoire (de l'histoire) du livre, de la bibliologie -- dans des versions numérisées avec détails sur l'histoire de la typographie.

»[E] = Écriture/Lecture -- Hand writing/Reading

»Ouvrages numérisés sur l'écriture (manuscrite notamment) et méthodes de lecture importants pour l'histoire de la typographie.

»[F] = Française (histoire typographique de la langue)

»French language (in connection with types)

»Quelques livres sur la langue française, relevant de l'orthotypographie.

»[D] = Documents

»Quelques documents sur la typographie ou l'imprimerie.

»Par ailleurs, on donne aussi, ci-dessous, quelques références bibliographiques ou liens ayant un rapport avec l'inventaire des manuels de typographie.

»A related bibliography and links are given below.»

«Le design jusqu’au bout des mots». Interview avec Philippe Apeloig

Philippe Apeloig www.apeloig.com
«Le design jusqu’au bout des mots»
Interview par Céline Coubray
Paperjam

Vídeo de Emotional Branding Alliance

«Le designer graphiste et typographe Philippe Apeloig est le prochain invité de Design Friends. En préambule de sa conférence du 21 octobre au Mudam, nous lui avons posé quelques questions.

»Monsieur Apeloig, pourriez-vous nous présenter votre parcours?

»J’ai fait mes études à l’École supérieure des arts appliqués (Duperré), puis à l’École nationale supérieure des arts décoratifs (Ensad) à Paris. J’ai également eu l’occasion d’effectuer deux stages dans l’agence Total Design à Amsterdam, où j’ai découvert une approche moderniste du graphisme néerlandais, notamment en ce qui concerne l’utilisation de la typographie. En 1985, un peu plus d’un an avant son ouverture au public, le Musée d’Orsay m’a recruté comme graphiste. J’ai créé l’affiche de la première exposition Chicago, naissance d’une métropole qui a été remarquée, me propulsant ainsi dans le monde de la communication visuelle. En 1987-88, j’ai rejoint l’atelier d’April Greiman à Los Angeles.

»En 1989, j’ai fondé mon bureau à Paris, que je dirige toujours aujourd’hui. J’ai marqué une pause en 1993-94, année pendant laquelle j’ai été pensionnaire à l’Académie de France à Rome (Villa Médicis), où j’ai commencé à dessiner mes propres polices de caractères. De 1998 à 2003, je me suis installé à New York. Là, j’ai enseigné à la Cooper Union School of Art, après avoir été professeur durant sept années à l’Ensad à Paris.

»Pourriez-vous nous préciser comment vous abordez les premières étapes d’un nouveau travail?

»Mes sources d’inspiration viennent de la peinture, de la sculpture ou des arts du spectacle. L’agencement des lettres, des mots et des formes géométriques est le point de départ de mes recherches. L’image figurative m’apparaît souvent inutile, trop narrative. Lorsque je commence un projet, je cherche un concept en même temps que j’élabore un système de grille et de lignes de construction qui servent à structurer la page. Une fois les proportions établies, j’essaie d’aller au-delà de l’aspect purement fonctionnel de la composition. J’aime introduire l’impression de mouvement et surtout une touche d’émotion. Je décompose mes idées, les recolle, les assemble dans un autre ordre, comme un monteur de cinéma, jusqu’à ressentir la confirmation que ce que je fais est juste. C’est un processus complexe, un jeu de construction-déconstruction-reconstruction.

»Êtes-vous influencé par les autres arts?

»J’ai toujours été intéressé par le dessin, la sculpture, la danse contemporaine, le décor de théâtre. L’architecture et l’écriture me passionnent aussi. En fait, tout ce qui se réfère à l’espace. J’ai beaucoup regardé le constructivisme russe, la peinture de Malevitch en particulier. Pendant mon séjour aux Pays-Bas, j’ai découvert le mouvement De Stijl, Mondrian, van Doesburg, van der Leck et Rietveld. Il m’est alors apparu évident qu’il existe un point de rencontre et d’attache entre une pratique artistique et celle plus technique du design. J’aime aussi les sculptures de Brancusi et d’Henry Moore. Enfin, les premières images fortes dont je me souvienne sont les peintures de Corot, Ingres et l’œuvre polymorphe de Picasso. Enfant, j’étais fasciné par sa manière de réinventer perpétuellement son univers.

»Quelle place accordez-vous aux nouvelles technologies?

»J’ai appris le design sans l’ordinateur. J’ai commencé à travailler avec les outils traditionnels. J’ai vu les premiers équipements numériques chez Total Design, mais c’est lors de mon passage dans l’atelier d’April Greiman à Los Angeles que j’ai compris l’ampleur de cette révolution technologique. April avait intégré l’informatique dans sa boîte à outils, alors que tous les autres graphistes travaillaient encore avec des rotrings et des équerres. L’arrivée de l’ordinateur a été une délivrance et a stimulé profondément la création de nouveaux codes graphiques. Il a enfin été possible de tout modifier, de moduler, d’interpréter, sans être dépendant des techniciens du processus de fabrication. Nos méthodes de travail ont complètement changé. Aujourd’hui, le rythme de ces mutations s’accélère, ce qui est prodigieux. Mais j’aime revenir au crayon et au papier, je me sens libre d’y déposer mes idées, de créer intuitivement en échappant à la rigidité mécanique du digital. Et je peux rapidement repasser au dessin sur écran. Je crois qu’il existe quand même une forme d’ ‘humanisme’ technologique. Ma méthode de travail est un va-et-vient d’expérimentations multiples. Je garde mes croquis, des collages et de nombreuses sorties laser qui constituent les archives de mes projets.

»La typographie tient une place majeure dans votre travail. Pourquoi?

»À partir de la silhouette des lettres, j’aime obtenir un maximum d’effets avec un minimum de moyens. La typographie permet un degré élevé de conceptualisation. C’est l’essence même du dessin, un équilibre de proportions entre le plein et le vide, une matière à la fois poétique et fonctionnelle, une fusion entre concept et forme.

»C’est pourtant une discipline ingrate, peu connue du grand public.

»En effet, la plupart des lecteurs ne prêtent pas attention au dessin des lettres. La typographie appartient au domaine du non-remarquable. Pourtant, il se cache une masse de travail phénoménale dans l’invention d’une police de caractères, tout autant que dans l’utilisation d’éléments typographiques sur une affiche, dans la mise en page d’un livre ou le dessin d’un logotype. Il faut se poser les bonnes questions. À quoi un caractère va-t-il servir? Comment sera-t-il reproduit? Comment se détacher de l’aspect purement fonctionnel et tendre vers des compositions graphiques abstraites, voire poétiques.

»Et les grilles de mise en page, comment les utilisez-vous?

»J’ai découvert l’importance de la grille de mise en page chez Total Design. Elle conditionne l’agencement des éléments entre eux, aussi bien qu’elle émancipe le créateur dans sa conjugaison entre la forme et le fond. C’est un mélange de concision, de rigueur, de fonctionnalisme et de grande sophistication.

»Quelle place la couleur tient-elle dans votre approche?

»Je pense d’abord en noir et blanc, à l’ombre et à la lumière. La couleur n’intervient qu’une fois l’ordonnancement abouti. J’ai toujours eu un peu de peine à m’exprimer directement avec la juxtaposition des couleurs.

»Quels sont vos projets actuels?

»Je travaille sur la signalétique et l’identité visuelle du Louvre Abou Dabi avec les Ateliers Jean Nouvel. Je vais également avoir une exposition au Stedelijk Museum à Amsterdam à partir du 31 octobre, intitulée Using Type.»